artamour
- Sep 3, 2021
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Ajay Sharma: Art of Sensitive Response

Ajay Sharma is a graduate from the Faculty of Fine Arts, MSU, Baroda, and completed his post-graduation from the same institution. He is a recipient of the National scholarship and Lalit Kala scholarship in painting in 1996 and 2000 respectively. Sharma has won several awards including the Vadodara City award in 2017. He has exhibited widely including at The Other Cinema in Piccadilly Circus, London. Drawing inspiration from current events, socio-political issues and environmental concerns, his works weave in elements of subversion in an often flat, colourful picture plane.

1. When did you decide and what prompted you to become an artist? Please give a brief account of your challenges and struggles in your journey as an artist. Any role models?

1. आपने कब फैसला किया और किस बात ने आपको कलाकार बनने के लिए प्रेरित किया? कृपया एक कलाकार के रूप में अपनी यात्रा में अपनी चुनौतियों और संघर्षों का संक्षिप्त विवरण दें। कोई रोल मॉडल?

AS: Since my school days, I’d an inclination towards drawing and would copy images from books and magazines. I started getting private art tuitions at a tender age from art teachers in my locality in Kharagpur (West Bengal) where I was born and brought up. My first private art tutor was the artist, Mr Subimalendu Bikash Sinha, whose watercolours done in the Bengal School style fascinated me and I desired to learn the means and ways of executing them from him (this was probably around 1979-80). Later, I was groomed by another local art tutor Mr Sadhan Chakraborty. My school art teacher, Mr Shankar Mullick, at Kendriya Vidyalaya, IIT Kharagpur, also encouraged my art and motivated me. My mentor and guide till I joined the Faculty of Fine Arts, MSU, in Baroda was another local art tutor, Mr Tarun Kanti Das, who was instrumental in guiding me for entrance examinations in art institutions. My family members would appreciate my drawing skills during my childhood and encouraged me as well, though they were not comfortable with the idea of my taking up art as a profession!

Migration I, Inkjet print on archival paper, 2020

Work created during the lockdown with images of worn-out footwear of migrant labourers around my locality, reminiscent of the plight of those who walked miles and miles to reach their homes

I began thinking of taking up art as a profession when I was in my 10th standard in school and started working seriously towards it. During those days I was fascinated by seeing reproductions of the works of Bikash Bhattacharya and other contemporary artists like Husain, Arpana Kaur, Arpita Singh and many others in the weekly magazine of The Telegraph newspaper and the Bengali magazine Desh Patrika. These artists and their works made a strong impact on me and inspired me to become one like them!

After I joined my graduation in Painting at the Faculty of Fine Arts, MSU, Baroda in 1991, I was exposed to an altogether different world of art by my teachers. Picasso, Van Gogh, Matisse, Renoir were artists I’d never heard of before and neither had I seen their works. Living in Baroda was like getting exposed to a mix of art, ranging from the artists of the Renaissance period to other European masters, Far-eastern artists, Rajasthani and Mughal miniatures to folk and traditional arts and other art forms that were completely new to me. There were so many styles, from realism to cubism to the abstraction of Mondrian, and as a young art student in my twenties, it was extremely difficult for me to digest all of this! For instance, I could never understand why Picasso has painted Three Musicians in a particular manner, and why I can’t see the faces and hands of the characters painted, in the same manner as the human figures painted by Michelangelo, or why was the Portrait of Madame Matisse painted in so many colours – “Had she played Holi?” I thought then. Exposure to the works of Indian artists like Bhupen Khakhar, Jyoti Bhatt, Vivan Sundaram, Gulam Sheikh, Nilima Sheikh, Rekha Rodwittiya, Nalini Malani, Surendran Nair was altogether a different vocabulary to me and at that time very difficult for me to comprehend. My notions of the Bengal school of realism and Bikash Bhattacharya kept lingering and the works of these artists, whose works I hadn’t been exposed to earlier, seemed alien!

Urban Comfort/ Feathers of Pride, water colour and mixed media on acid free paper, 2015

Our towering hunger to lead a life loaded with urban comforts, thinking a happy life is all about materialistic achievements, perhaps makes many of us feel actually like a crow wearing

feathers of the peacock!

However, with the guidance of my teachers (who had also studied at Faculty of Fine Arts, MSU, before me and the time when I joined the college, were already teaching there) like Jyoti Bhatt Vasudevan Akkitham, BV Suresh, Sashidharan Nair, Vijay Bagodi, Indrapramit Roy, Natraj Sharma, I perhaps managed to shed my sentimentality for the Bengal school of realism and embrace altogether a set of different languages; most importantly, a narrative way of expression which was the hallmark of the Baroda school during the 1980s and 1990s. In addition, my visits to the studios of Bhupen Khakhar, Nilima Sheikh and Gulam Sheikh and art shows in Baroda made a meaningful impact to my art expression. By the late 1990s the trend of art was shifting from the figurative narrative art practice in Baroda to some kind of abstraction where surface making became important, and expression through still-life, mark making and other objects became central. My teachers like B.V.Suresh, Vasudevan Akkitham, Natraj Sharma, and Indrapramit Roy during the late 1990s worked with a certain visual language that apart from image making gave greater importance to surface making before arriving at the final images. Their approach and attitude impacted me during my college days and also immediately thereafter, when I was practising art at the Kanoria Centre for Arts, after completing my masters from MSU in 1997.

During my days at the Kanoria Centre for Arts, I gained admission to the Painting course at the Royal College of Art, London. Unfortunately, due to lack of adequate funding and scholarship, I was unable to go and study there. However, with a broken heart I kept continuing my art practice, participating in art shows both in Baroda and outside the state of Gujarat. This was the time when I held my first solo show, Cradle Dreams & Songs of Departure, which later also travelled to Mumbai in 2001.

In 2004 I realized my dream of being in London and I got an opportunity to visit the city and stay in UK for six months. It was the most thrilling experience to see the original works of various internationally acclaimed artists of that time. Seeing the works of the Turner prize winner, Tracey Emin, at Tate Modern was indeed a life time experience along with works of artists like Damien Hirst, Sara Lucas, the Chapman Brothers, Marc Quinn and others. I also visited the Saatchi Gallery, National Gallery, and Serpentine Gallery. I was completely thrilled to see the original art works of the great masters, the impressionists, the paintings of Van Gogh, the large lily ponds of Monet installed in the gallery space. The art experience in London was something that continues to linger within me!

Gandhi Speaking, Inkjet print on archival paper, 2019

Violence and death all around reminds us about the significance of non-violence

in present times, the seed of which was once upon planted by Gandhi amongst us.

My struggle of being in the art field has been many; most importantly, it has been the struggle of managing my finances. Even after practising and being in the field for more than 20 years, I still have no support system from any gallerist, curators, art collectors, critics or historians. My art practice has been ignored by the art world almost completely. My art works have hardly sold over the past 20 years and as a result, to manage my finances, I’ve been compelled to take up teaching jobs that have never suited my temperament and has kept leading to utter disappointment and frustration. I’m still waiting for some galleries to represent me as their artist. I’ve also been hearing for more than 20 years now, how the art market is very unpredictable in India and that not many artworks get sold. At the same time, in spite of the many odds, many artists are able to sell their works regularly and lead a sustainable life! During the art boom in 2006, several artists became rich overnight and started living a fanciful life, while the majority of artists like me kept hearing the same things that one should not expect anything from the art market and that artists are no more promoted by art collectors!

Migration II, Inkjet print on archival paper, 2020

Hey Ram 2, Inkjet print on archival paper, 2018

जहाँ तक मुझे याद है, मैं अपने कई सहपाठियों की तुलना में काफी बेहतर चित्र बना सकता था, बचपन से ही मुझे और मेरे स्कूल के दिनों से ही किताबों और पत्रिकाओं से चित्र बनाने और कॉपी करने का झुकाव था। छोटी सी उम्र में ही मुझे कला शिक्षकों से निजी कला शिक्षण मिलना शुरू हो गया था. वे खड़गपुर (पश्चिम बंगाल) में मेरे इलाके में बच्चों के लिए आर्ट क्लासेज लिया करते थे, जहां मेरा जन्म और पालन-पोषण हुआ। मेरे पहले निजी कला शिक्षक कलाकार श्री सुबिमलेंदु बिकाश सिन्हा थे जिन्होंने सरकारी (Govt.) कॉलेज ऑफ आर्ट एंड क्राफ्ट, कलकत्ता में पढाई किया था । उन दिनों, वे जिस तरह से बंगाल स्कूल शैली में जलरंगों को क्रियान्वित करते थे, उससे मैं बहुत प्रभावित था और उसी के तौर तरीके सीखने के लिए उत्सुक था। यह शायद १९७९ या १९८० की बात होगी । बाद में मुझे एक अन्य स्थानीय कला शिक्षक श्री साधन चक्रवर्ती ने भी तैयार किया। केन्द्रीय विद्यालय, आईआईटी खड़गपुर में मेरे स्कूल के कला शिक्षक श्री शंकर मल्लिक ने भी मेरी कला को प्रोत्साहित किया, मुझे प्रेरित करते रहे और मेरी सराहना करते रहे । उन्होंने एक कला संस्थान में प्रशिक्षण भी प्राप्त किया था। बड़ौदा में कला संस्थान में शामिल होने तक मेरे गुरु और मार्गदर्शक एक अन्य स्थानीय कला शिक्षक श्री तरुण कांति दास थे, जिन्होंने कला संस्थानों में प्रवेश परीक्षाओं के लिए मेरा मार्गदर्शन किया। उन्होंने इंडियन कॉलेज ऑफ आर्ट्स एंड ड्राफ्ट्समैनशिप, कलकत्ता से पढ़ाई की थी। मेरी बड़ी बहनें भी बचपन में मेरे ड्राइंग कौशल की सराहना करती थीं और मुझे प्रोत्साहित करती थीं, हालाँकि मेरे परिवार का कोई भी सदस्य कला को एक पेशे के रूप में लेने के विचार से सहज नहीं था !!!!

शायद मैंने कला को एक पेशे के रूप में लेने के बारे में सोचना शुरू किया जब मैं स्कूल में 10वीं कक्षा में था और इस दिशा में गंभीरता से काम करना शुरू कर दिया। मैं उन दिनों टेलीग्राफ अखबार की साप्ताहिक पत्रिकाओं और बंगाली पत्रिका "देश पत्रिका" में कलाकार बिकाश भट्टाचार्य और हुसैन, अर्पणा कौर, अर्पिता सिंह और कई अन्य समकालीन कलाकारों के कार्यों की प्रतिकृति देखकर मोहित होता था। इन कलाकारों और उनके कार्यों ने मुझ पर उनके जैसा बनने के लिए एक मजबूत प्रभाव डाला !!!!

1991 में ललित कला संकाय, एमएसयू, बड़ौदा में चित्रकला में स्नातक होने के बाद मेरे शिक्षकों द्वारा कला की एक अलग दुनिया से पूरी तरह परिचित कराया गया। पिकासो, वैन गॉग, मैटिस, रेनॉयर( Renoir) ऐसे कलाकार थे जिनके बारे में मैंने पहले कभी नहीं सुना था और न ही उनके कृतियों को देखा था। बड़ौदा में रहकर पुनर्जागरण (Renaissance) से लेकर अन्य यूरोपीय आचार्यों (European Masters), सुदूर पूर्वी कलाकारों, राजस्थानी और मुगल लघुचित्रों (Miniature), लोक और पारंपरिक कलाओं और अन्य कला रूपों से लेकर कला के एक संयोजन के संपर्क में आने जैसा था, जो मेरे लिए बिल्कुल नया था। कला इतिहास के मेरे शिक्षक और चित्रकला विभाग के शिक्षक हमें कला की ऐसी दुनिया से परिचित कराया जो हम में से कई लोगों के लिए बिल्कुल नई थी। यथार्थवाद से लेकर क्यूबिज़्म तक, मोंड्रियन के अमूर्तन तक बहुत सारी शैलियाँ थीं और मेरे जैसे २० साल के एक लड़के के लिए यह सब कुछ पचाना बेहद मुश्किल था !!!! मैं कभी नहीं समझ पाता कि पिकासो ने "तीन संगीतकारों" (Three Musicians) को एक विशेष तरीके से क्यों चित्रित किया है, और यदि किया भी है, फिर मैं पात्रों के चेहरे और हाथों को उस तरीके से चित्रित क्यों नहीं देख पाता, जैसे मैंने माइकल एंजेलो द्वारा चित्रित मानव आकृतियों में देखा है, या "मैडम मैटिस का पोर्ट्रेट" इतने रंगों में क्यों रंगा हुआ है……..क्या उसने होली खेली है ???? साथ ही भूपेन खक्खर, ज्योति भट्ट, विवान सुंदरम, गुलाम शेख, नीलिमा शेख, रेखा रोडवितिया, नलिनी मलानी, सुरेंद्रन नायर की कृतियों का अनुभव मेरे लिए पूरी तरह से एक अलग शब्दावली थी और मेरे लिए इन्हे समझना बहुत मुश्किल था……. बंगाल स्कूल के यथार्थवाद और बिकाश भट्टाचार्य के बारे में मेरी धारणाएँ उस वक़्त भी कायम थीं और इन नए कलाकारों की कृतियाँ, जिनकी कृत्यों से मैं पहले से अवगत नहीं था, अजीबोगरीब लगती थीं !!!!!

हालाँकि मेरे शिक्षकों के मार्गदर्शन से (जिन्होंने मुझसे पहले ललित कला संकाय, MSU में अध्ययन किया था और जब मैं कॉलेज में शामिल हुआ था, पहले से ही वहाँ पढ़ा रहे थे) जैसे ज्योति भट्ट, वासुदेवन अक्किथम, बी.वी.सुरेश, शशिधरन नायर, विजय बागोडी, इंद्रप्रमित रॉय, नटराज शर्मा, मैं शायद बंगाल स्कूल यथार्थवाद के लिए अपनी भावुकता को त्यागने और अलग-अलग भाषाओं के एक समूह को अपनाने में कामयाब रहा …… सबसे महत्वपूर्ण रूप से अभिव्यक्ति का एक कथात्मक (Narrative) तरीका जो 80 और 90 के दशक के दौरान बड़ौदा स्कूल की पहचान थी।

इसके अलावा भूपेन खक्खर, नीलिमा शेख और गुलाम शेख के स्टूडियो और बड़ौदा में कला शो के मेरे दौरों ने मेरी कला अभिव्यक्ति पर एक निश्चित प्रभाव डाला। 90 के दशक के अंत तक कला की प्रवृत्ति बड़ौदा में नैरेटिव कथा कला अभ्यास से किसी प्रकार की अमूर्तता में स्थानांतरित हो रही थी, जहां सतह बनाना बहुत महत्वपूर्ण हो गया था और स्थिर-जीवन( स्टिल लाइफ ) के माध्यम से व्यक्त करना, निशान बनाना और अन्य वस्तुओं से अपने भावनाओं को अभिवक्त करना केंद्रीय बन गईं। बी.वी.सुरेश, वासुदेवन अक्किथम, नटराज शर्मा, इंद्रप्रमित रॉय जैसे मेरे शिक्षकों ने 90 के दशक के उत्तरार्ध में एक निश्चित भाषा के साथ काम किया करते थे, जिसमें छवि (इमेज) बनाने के अलावा अंतिम छवियों (इमेजेज) पर पहुंचने से पहले सतह बनाने को अधिक महत्व दिया गया था। तब मेरे कॉलेज के दिनों में और उसके तुरंत बाद भी 1997 में एमएसयू से मास्टर्स की पढ़ाई पूरी करने के बाद, जब मैं कनोरिया सेंटर फॉर आर्ट्स में कला का अभ्यास कर रहा था, उनके दृष्टिकोण और रवैये ने मुझे प्रभावित किया था।

कनोरिया सेंटर फॉर आर्ट्स में अपने दिनों के दौरान, मुझे रॉयल कॉलेज ऑफ आर्ट, लंदन में पेंटिंग कोर्स में प्रवेश मिला। हालाँकि उचित धन और छात्रवृत्ति की कमी के कारण, मैं वहाँ जाकर अध्ययन करने में असमर्थ रहा। मायूस और टूटे दिल के साथ मैंने अपनी कला का अभ्यास जारी रखा, बड़ौदा और गुजरात राज्य के बाहर कला शो में भाग लेता गया। यह वह समय था जब मेरा पहला एकल शो "क्रैडल ड्रीम्स एंड सॉन्ग्स ऑफ डिपार्चर" बड़ौदा में हुआ। बाद में 2001 में इसने मुंबई की यात्रा भी की।

2004 में लंदन में रहने का मेरा सपना पूरा हुआ और मुझे उस जगह का दौरा करने और छह महीने वहां रहने का मौका मिला। उस समय के दौरान विभिन्न कलाकारों के मूल कार्यों को देखना सबसे रोमांचकारी अनुभव था। टेट मॉडर्न में टर्नर पुरस्कार विजेता ट्रेसी एमिन के काम को देखना वास्तव में एक जीवन भर का अनुभव था। साथ ही डेमिन हर्स्ट, सारा लुकास, चैपमैन ब्रदर्स, मार्क क्विन जैसे और अन्य कलाकारों के काम साची गैलरी, नेशनल गैलरी और सर्पेंटाइन गैलरी में देखना एक अनोखा अनुभव था। मैं ग्रेट मास्टर्स, प्रभाववादियों (इम्प्रेशनिस्ट्स) की मूल कला कृतियों को देखकर पूरी तरह रोमांचित था……..वान गाग की पेंटिंग……….मोनेट के विशाल लिली तालाब (लिली पोंड) वाले पेंटिंग्स गैलरी में स्थापित अद्भुत प्रतीत हो रहे थे। लंदन में कला का अनुभव कुछ ऐसा था जो अभी भी भीतर कायम है!!!

कला के क्षेत्र में होने का मेरा संघर्ष रहा है और सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि मेरे वित्त के प्रबंधन का संघर्ष है। अभ्यास करने और 20 से अधिक वर्षों से क्षेत्र में रहने के बाद भी, मेरे पास अभी भी किसी भी गैलरी, क्यूरेटर, कला संग्रहकर्ता, आलोचकों या इतिहासकारों से कोई समर्थन प्रणाली नहीं है। मेरे कला अभ्यास को कला जगत ने लगभग पूरी तरह से नजरअंदाज किया है। पिछले २० वर्षों में मेरी कला की कृतियाँ नहीं के बराबर बिकी हैं, अपने वित्त का प्रबंधन करने के परिणामस्वरूप मुझे ऐसे शिक्षण कार्य करने पड़े जो मेरे स्वभाव के अनुकूल नहीं थे और पूरी तरह से निराशाजनक रहे है। मैं अभी भी कुछ दीर्घाओं की खोज में हु और प्रतीक्षा कर रहा हूं जो मुझे उनके कलाकार के रूप में प्रस्तुत कर सकें। इसके अलावा, मैं 20 से अधिक वर्षों से सुन रहा हूं कि कला बाजार बहुत अप्रत्याशित है और बहुत सारी कलाकृतियां बिकती ही नहीं हैं। फिर भी अनेक बाधाओं से लड़ते हुए, बहुत सारे कलाकार नियमित रूप से अपने काम को बेचने और एक स्थायी जीवन जीने में सक्षम हैं!!!! साथ ही २००६ में कला के उफान के दौरान कलाकार रातोंरात अमीर हो गए और एक ऐशो -आराम पूर्ण जीवन जीने लगे…… जबकि मेरे जैसे कई कलाकार 20 साल से वही बातें सुनते आ रहे है कि कला बाजार से कोई उम्मीद नहीं है…..अब कला संग्रहकर्ताए किसी भी कलाकार के कृतियां खरीदते नहीं है!!!

2. What art project(s) are you working on currently? What is your inspiration or motivation for this?

2. वर्तमान में आप किस कला परियोजना (परियोजनाओं) पर काम कर रहे हैं? इसके लिए आपकी प्रेरणा क्या है?

AS: Some of my ongoing projects are works on paper, mostly water colours and mixed media, which I’ve been doing since many years. Simultaneously, I am also working on photo-collages and digital works (that I became interested in from 2001). During the pandemic and lockdown, I produced some digital artworks on the present situation where the raw materials were mostly photographs taken by me of my surroundings and locality during this time. Since 2018, I’ve also become obsessively passionate about photography, which I am continuing simultaneously along with works on paper and digital works. My main subject of photography is the play of light and shadow, reflections, along with other themes. In the future I would like to work on some photo installations if I get some financial aid and sponsorship.

Chul tar kobekar andhokar bidishar nisha (Paromitar akdin), Inkjet print on archival paper, 2019

When she saw the girl combing her hair . . . she instantly fell in love! It was love at first sight!

Photographs by Ajay Sharma

Paintings by Ajay Sharma

मेरी कुछ चल रही परियोजनाएं कागज पर कृतियां हैं जिनमें ज्यादातर वाटर कलर और मिश्रित मीडिया हैं जो मैं कई सालों से करता आ रहा हूं। इसके साथ ही मैं फोटो-कोलाज और डिजिटल कार्यों पर भी काम कर रहा हूं (जो 2001 से विशेष रुचि बन गया है)। महामारी और तालाबंदी के दौरान मैंने वर्तमान स्थिति पर कुछ डिजिटल कला कृतियों का निर्माण किया, जहां ज्यादातर मेरे द्वारा खींची गयी इस दौरान में मेरे आस-पास और इलाके की तस्वीरों का इस्तेमाल किया गया है। 2018 से मैं फोटोग्राफी को लेकर भी जुनूनी हूं जिसे मैं कागजी कामों और डिजिटल कार्यों के साथ-साथ जारी रख रहा हूं। फोटोग्राफी का मेरा मुख्य विषय प्रकाश और छाया का खेल, अन्य विषयों के साथ प्रतिबिंब का विषय भी है। अगर मुझे कुछ वित्तीय सहायता और प्रायोजन मिलता है तो भविष्य में मैं कुछ फोटो इंस्टालेशन करना चाहता हूं।

3. Contemporary art has become very diverse and multidisciplinary in the last few decades. Do you welcome this trend? Is this trend part of your art practice?

3. पिछले कुछ दशकों में समकालीन कला बहुत विविध और बहु-विषयक बन गई है। क्या आप इस प्रवृत्ति का स्वागत करते हैं? क्या यह प्रवृत्ति आपके कला अभ्यास का हिस्सा है?

AS: Yes, I very much welcome this trend of contemporary art becoming diverse and multidisciplinary. If we talk about contemporary painting, it is no more just confined to the two-dimensional formats. Apart from two-dimensional art, I’ve also done installations and site-specific art projects in the past. Given the proper opportunity and funding, I would definitely like to tap these art forms more often in the future.

हाँ, मैं समकालीन कला के विविध और बहुविषयक बनने की इस प्रवृत्ति का बहुत-बहुत स्वागत करता हूँ। यदि हम समकालीन चित्रकला के बारे में बात करते हैं, तो यह केवल दो आयामी स्वरूपों में ही सीमित नहीं है। दो आयामी कला कार्यों के अलावा मैंने अतीत में स्थापना, साइट विशिष्ट कला परियोजना भी की है। उचित अवसर और वित्त पोषण को देखते हुए मैं निश्चित रूप से भविष्य में इन कला रूपों का अधिक बार दोहन करना चाहूंगा।

4. Does art have a social purpose or is it more about self-expression?

4. क्या कला का कोई सामाजिक उद्देश्य है या यह आत्म-अभिव्यक्ति के बारे में अधिक है?

AS: In my view all art need not necessarily serve a social purpose. They can be simply expressions of aesthetic beauty. I feel that the Art Nouveau movement is a great example of this (although there have been important social reasons behind it). However, many artists like to express their social concerns through their art practice. When it comes to my art practice I have mostly tried to capture experiences of the life and the times I live in through my artistic expression. I find this more meaningful and relevant rather than just creating something that doesn’t make much sense to me.

This is the house that Jack built (Props for a family drama),

Cyanotype, watercolour, gouache, acrylic, photograph and collage on acid free paper, 2019

Home is not just all about four walls and a roof.

What makes a perfect home is the bonding between those who live there.

मेरे विचार में सभी कलाओं का सामाजिक उद्देश्य की पूर्ति करना आवश्यक नहीं है। वे केवल सौंदर्य की अभिव्यक्ति भी हो सकते हैं। मुझे लगता है कि आर्ट नोव्यू आंदोलन इसका एक बड़ा उदाहरण है (यद्यपि इस आंदोलन के कई सामाजिक कारण भी रहे है)। हालांकि कई कलाकार अपने कला अभ्यास के माध्यम से अपनी सामाजिक चिंताओं को व्यक्त करना पसंद करते हैं। जब मेरी कला अभ्यास की बात आती है तो मैंने अपनी कलात्मक अभिव्यक्ति के माध्यम से जीवन के अनुभवों और उस समय को पकड़ने की कोशिश की है, जिसमें मैं रहता हूं। केवल सौंदर्य का प्राधान्य हो, उस प्रकार के कला के बजाय मैं कुछ ऐसी कला रचना पसंद करता हु, जो मेरी नज़र में अधिक सार्थक और प्रासंगिक हो।

5. Where do you create your art (workplace / studio)? What is your process?

5. आप अपनी कला कहाँ बनाते हैं? आपकी प्रक्रिया क्या है?

AS: Mostly my art is created in my living space where one of the rooms has been converted into a makeshift studio. My art practice is research based where I mostly like to go through news and various other issues of my interest, collect their images, and also photograph images I come across.

Simultaneously, iconic and relevant images downloaded from the internet, too become part of my image bank. Later, many of these images show up in my artworks based on the theme and subject matter. My process of painting is lengthy and time-consuming. I simultaneously start many works, which get finished in the time span of a couple of years. Also, there is a lot of layering of colours and images in my paintings – the images and colours get altered many times during the process of execution. My living space is full of unfinished artworks that I had begun 10 years ago and are still in the process of making!

ज्यादातर मेरी कला मेरे रहने की जगह में बनाई जाती है जहां एक कमरे को एक अस्थायी स्टूडियो में बदल दिया गया है। मेरा कला अभ्यास अनुसंधान आधारित है जहां मैं ज्यादातर समाचारों और अपनी रुचि की कई अन्य विषयो को जानना और समझना पसंद करता हूं, उनकी छवियां एकत्र करता हूं, और मेरे इर्दगिर्द में कई चीज़ो की तस्वीरें भी लेता हूं। साथ ही इंटरनेट से डाउनलोड की गई प्रतिष्ठित और प्रासंगिक छवियां मेरे इमेज बैंक का हिस्सा बन जाती हैं। बाद में इनमें से कई चित्र विषय और विषय के अनुसार मेरी कला कृतियों में दिखाई देते हैं। मेरी पेंटिंग की प्रक्रिया लंबी और समय लेने वाली है। मैं एक साथ कई कलाकृतिया शुरू करता हूं और ये कला कृतिया कई सालो के अंतराल में ही खत्म हो पाते हैं। साथ ही मेरी पेंटिंग्स में रंगों और छवियों की ढेर सारी परतें होती हैं। निष्पादन की प्रक्रिया के दौरान चित्र और रंग कई बार बदल जाते हैं। मेरा रहने का स्थान अधूरे कला कार्यों से भरा है जो मैंने १० साल पहले शुरू किए थे और अभी तक बनाने की प्रक्रिया में हैं!

6. To what extent will the world of art change in the post-Covid period – both in terms of what is created as also the business of art?

6. कोविड के बाद की अवधि में कला की दुनिया किस हद तक बदल जाएगी - दोनों इस संदर्भ में कि क्या बनाया गया है और कला का व्यवसाय में आगे क्या होनेवाला है?

AS: For those artists whose work reflects the times they live in, the images of their artworks are definitely changing in the Covid period and will also keep changing post-Covid with contemporary themes and images becoming part of the art practice. The others, whose art expresses only aesthetically pleasing things, may perhaps continue working in the same way.

Apart from physical shows in gallery spaces, online shows will become an alternative platform post-Covid period. Also, talk shows on art will not only be confined to physical spaces but will run parallel to those hosted on online platforms like Google Meet and Zoom. For curators offering online shows and other such facilities for artists, this will become a platform for generating revenues for themselves as well.

उन लोगों के लिए जिनकी कला समय को दर्शाता है, उनके कला कार्य में चित्र निश्चित रूप से कोविड काल में बदल रहे हैं और समकालीन विषयों और छवियों के कला अभ्यास का हिस्सा बनने के साथ-साथ कोविड के बाद भी बदलते रहेंगे। शायद दूसरों के लिए जिनकी कला केवल सौंदर्यपूर्ण रूप से सुखद चीजें व्यक्त करती है, वे वही करना जारी रख सकते हैं।

गैलरी स्पेस में फिजिकल शो के अलावा, ऑनलाइन शो कोविड की अवधि के बाद एक वैकल्पिक प्लेटफॉर्म बन जाएगा। साथ ही कला पर टॉक शो न केवल भौतिक स्थानों तक सीमित रहेंगे, बल्कि Google मीट और जूम जैसे ऑनलाइन प्लेटफॉर्म पर समानांतर रूप से होस्ट किए जाएंगे। कलाकारों के लिए ऑनलाइन शो और ऐसी अन्य सुविधाओं की पेशकश करने वाले क्यूरेटर के लिए, यह खुद के लिए भी राजस्व उत्पन्न करने का एक मंच बन जाएगा।

7. Tell us about any other interest you may have besides your art practice. Does it get reflected

in your art?

7. अपने कला अभ्यास के अलावा किसी अन्य रुचि के बारे में हमें बताएं। क्या यह आपकी कला में परिलक्षित होता है?

AS: Apart from visual art, I’m also passionate about music, cinema and poetry. They have been a great sources of inspiration over the years and have impacted my art practice too. They get reflected in some way, sometimes indirectly and sometimes directly.

दृश्य कला के अलावा मुझे संगीत, सिनेमा और कविता का भी शौक है। वे वर्षों से प्रेरणा के महान स्रोत रहे हैं। उन्होंने मेरे कला अभ्यास को प्रभावित किया है और कभी-कभी अप्रत्यक्ष रूप से और कभी-कभी प्रत्यक्ष रूप से मेरी कृतियों में परिलक्षित होता है।

(All images are courtesy of the artist, Ajay Sharma.)

The artamour questionnaire is a regular series of interviews with visual artists across disciplines, who share their views about art, their practice and their worldview on a common questionnaire template. Like, comment, share and subscribe to stay updated.

Ajay Sharma: Art of Sensitive Response

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